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古典吉他和弦转位技巧练习

时间:2017-05-02 10:15:37本文内容及图片来源于读者投稿,如有侵权请联系xuexila888@qq.com 玉莲 我要投稿

  古典吉他的学习中,对于和弦转位有什么样的要求,要怎么学?下面是学习啦小编给大家整理的古典吉他和弦转位技巧练习,供大家参阅!

古典吉他和弦转位技巧练习

  古典吉他和弦转位技巧练习

  吉他的转位和弦及分割和弦详解

  和弦的根音伴奏,通常都是弹和弦的主音,例如 C 和弦的主音为 C, Am 和弦的主音为 A ,但这并非一定的规则;若将和弦主音以外的组成音 拿来做根音伴奏,这样的和弦伴奏方式,我们称为「转位和弦」。

  例1. 转位和弦:○表根音所在

  C 和弦组成音:C (主音),E,G (由低音到高音排列)

  C

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  ├─┼─┼●┼─┼○原位:以主音 C 为根音

  └─┴─┴─┴─┴

  C/E ( C with E)

  ┌─┬─┬─┬─┬

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  ├─┼─┼●┼─┼

  └─┴─┴─┴─┴○第一转位:以 E 为根音

  C/G ( C with G)

  ┌─┬─┬─┬─┬

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  └─┴─┴●┴─┴○第二转位:以 G 为根音

  若是用和弦组成音以外的音做为和弦的根音伴奏,我们称为「分割和弦」。

  例2. 分割和弦:○表根音所在

  Am 和弦组成 (A C E),Dm7 和弦组成 (D F A C)

  Am/G ( Am with G)

  ┌─┬─┬─┬─┬

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  └─┴─┴●┴─┴○ Am (A C E) → G 为和弦外音

  Dm7/G ( Dm7 with G)

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  └─┴─┴●┴─┴○ Dm7 (D F A C) → G 为和弦外音

  转位、分割和弦的使用多是为了使低音的连结形成顺阶进行,这样的技巧我们称为「贝司级 进」( Bass Line) 。

  原和弦进行 C Am F G7 分 析

  Bass 1 6 4 5 Bass Line没有连贯 加入转位、分割和弦 C G/B Am Am/G F G7 加入 G/B 、 Am/G 造成顺阶进行 1 7 6 5 4 5 Bass 1 7 6 5 4 顺阶

  三和弦的轉位

  每一個原位三和弦,都會擁有它自己的根音、3音和5音。根音就是Bass音,3音和5音則是和 弦音與根音之間的音程。而轉位的意思就是,以同樣的和弦音,改以另外的方式排列,可能將該 三和弦的3音或5音當成Bass放在最下面,這時我們就稱此新的和弦為轉位後的三和弦。

  三和弦的第一轉位在羅馬級數上記成63,通常都簡記為6﹝3度音程在和弦中幾乎是必備條件, 故而常被省略﹞,又稱為「六和弦」。﹝補充說明一下:在此有打字上的不便,正確羅馬級數應 如譜例上那樣垂直來寫數字,但在html中只有上下標功能,無法排出垂直模式,所以我在打的時 候就只好稍微錯開了...﹞

  三和弦的第二轉位在羅馬級數上記成64,又稱做「六四和弦」,從上譜例中可以明顯看出所 有和弦音與根音之間的音程﹝在這裡是不受音程的大小增減影響﹞,羅馬級數便是因此而來的。

  當四部和聲時,所必須注意到的一點是重複音的使用,因為一般而言,三和弦的3音是為中 音,通常已在一轉時當Bass音,上三聲部便會省略之,即Soprano、Alto與Tenor並不構成一完整 三和弦。倘若重複了3音,在和聲進行過程中很容易造成犯規,因此不常被使用。﹝關於規則與 重複音取捨的問題將在下一章中談到﹞

  除了一轉稍微麻煩點外,三和弦的第二轉位便沒有這個困擾,但是六四和弦本身是個不穩定和 弦,所以絕對不會單獨存在,它有幾種特定的用法,除了這些時機外,它的出現不被允許。

  這三種時機分別是:

  終止六四﹝The Cadential Six-four﹞,只有在終止式中,或是Cadenza前會出現。

  除了一轉稍微麻煩點外,三和弦的第二轉位便沒有這個困擾,但是六四和弦本身是個不穩定和 弦,所以絕對不會單獨存在,它有幾種特定的用法,除了這些時機外,它的出現不被允許。

  經過六四﹝The Passing Six-four﹞,整個和弦為經過性質,並不獨立存在。 持續低音六四﹝The Pedal Six-four﹞,算是教會終止的一種,Bass音不變。 三和弦的轉位暫時介紹至此,了解了大概的形式及用法後,就牽涉到和聲進行規則的部分了,尤 其是重複音與平行隱伏,還有一些習慣用法,都是必須相當注意的喔!

  吉他应该着重练习的知识

  我身边有好多的教材、歌谱、练习曲,可每当我拿起吉他时总是不知所措,不知该练些什么…… "

  这是一个时常会困扰着吉他初学者的问题,即使是一个有一定水平的吉他演奏着,有时也会遇到这样的情况。这是一种麻痹的,凝固的感觉,对我们的进步和提高来说是一个很大的障碍,我们必须想办法解决。这种感觉的出现是一个信号,它在告戒你,虽然你很努力的练习,但是你学习的方法存在问题。

  探究事物的细节是一件艰难的事情,任何形式的学习都是这样。知道为什么会艰难吗?因为只有一个人才能使你坐下来,专心面对某一件具体的事情,不断的研究,不断的复习,制定目标,并且看到成功,那个人就是你自己。有些人在不知所措的时候,他不知道该如何面对和超越,他不知道在这个时候应该先停下来,思考,观察,分析,然后制订一个新的计划。

  这其实就象是你正在走进你的房间,屋里乱的一塌糊涂,所有的东西被胡乱扔地到处都是,你必须把屋子收拾干净。你在一开始可能会出现这样的感觉:脏乱的情形使你心烦意乱,精神接近崩溃,还没干一会儿就感到疲惫了。但是你必须把这些事情都要干完,唯一的办法就是,先停下来,集中精力,好好想想应该如何去干,从哪里开始,然后是哪里,一次干好一件事,逐步完成。一旦你这样去考虑了,你的精神也就有了活力了。

  当然这种集中精力思考的有效性是以你对全局有一个宏观的认识,并且知道自己所要达到的目的为前提的。如果你在收拾房间的时候,根本不知道什么东西该放在什么地方,那么你再集中精力思考,也不会有太大帮助。你必须实先决定好每件东西要放在哪里,然后再一样样摆好。这个做"决定"的部分对学生来说是困难的,因为他们不知道成为一个音乐家的过程,而无法下决定。他们不知道应该先练习什么,应该先掌握什么技巧,应该先达到什么目标。因此他们很容易被众多的教学资料弄的不知所措,买一本教材比从一本教材中真正学到东西要容易的多。

  当然,指定正确的课程应该是老师的工作,但有许多的吉他爱好者是没有老师的,况且有很多的老师并不是很负责任的。你要抱有的最好的态度就是:依靠自己。即使你已经有一个很好的老师了,也不要放松自己对自己负责的态度,要学会自我控制,有条理性。你要明白的第一点就是,制订和履行你每天的练琴计划是你自己的职责。你需要努力,你需要把要做的事情写出来,然后照计划练,你需要尝试,你需要回顾一天的结果,然后根据结果来调整你的计划,以使你第二天的努力能更有效果。

  在我多年的学琴过程中,我从来没有碰到过一个老师试图很有条理的来安排我的练习,我不得不自己来学着安排。我并不认为没有一个负责的老师是一件好事,我只是觉得很多吉他学生都会遇到同样的情况,我要告诉他们我当初所体验到的:如果没有一个笔记本,一个计划,一个目标等等,我就会象是在不知方向的海洋里游泳。当然,在最初你会感到很无助,你根本不知道从何开始或应该安排些什么。但要记住一点:任何计划都比没有计划好,因为你一旦有了开始,你就会知道如何改进你的计划,而没有计划、没有开始也就根本谈不上改进了。   我发现我只要把什么东西一写出来,马上就会感到冷静,并且能够控制自己的思绪了。

  我记得有一次我向我父亲抱怨那些在学校所学的无用的课程,我对它们一点都不感兴趣,我父亲却说了一句对我很由影响的话,"什么课程并不重要,重要的是你在学习一种学习的方法。"他是对的,这对于人类来说是一个非常有用的技巧??学习的方法。在第一批买我的书的人中有一个退休教师,后来他和我联系要上课,当见面时我发现他把我的书给拆开了,说明的部分给钉在了一起,练习的部分给钉在了一起,并且在每一页上都写满了注释,显然他已经把我的书按照他的习惯重新规划了,以便对他来说能提高的更快。这是一个懂得学习方法的人的例子。 好了,现在停止说教,让我告诉你一些实际能用到的东西。是的,你必须在开始学吉他的时候就要树立一个目标,对于想成为不同类型吉他手(摇滚,古典,民谣,布鲁斯)的人来说,目标也是不一样的。下面我会列出我为我的学生树立的目标,并且希望他们尽快达到我的要求。

  第一,我要所有的学生都要知道怎样正确地练习,没有这一项,我是不会开始让他们练东西的。

  第二,在学生一开始的时候,就要通过正确的练习来培养一种意识,能够感觉自己手部的肌肉,让它们按着舒服的方向发展,一旦有别扭、紧张的感觉,就一定要调整过来,以免形成坏的习惯,因为坏习惯一旦形成就很难再纠正回来,将来它会对你的进步起到难以逾越的阻碍,而那时你自己可能根本就不会意识到。

  第三,在学生将他们的手指训练正确后,也就是说能够以正确的指型按弦了,就该教他们一些吉他上最基本的东西了。我先让学生掌握第一把位的开放和弦,G,C,和D。学会怎样按它们,并学会怎样顺利地换和弦。然后尽快的把这些和弦运用到歌曲当中,我觉得这一点很重要,我也许在第二或第三节课就开始作这一步了。

  尽早的接触歌曲对学吉他来说是很重要的,我在第二或第三节课就会让学生学习弹歌曲,我可能会让一个学生三个月之内都只练这一首歌,直到他能很熟练地从头弹到尾,这是一种纵向的发展。掌握一首歌后,我会让他们学习更多的同样简单的歌曲,建立自己的弹奏曲目集,这是一种横向的发展。 能够在和弦进行当中很平稳的扫弦是应最先掌握的技巧,它是一个吉他手迈向音乐演奏的第一步,一般的人所理解的吉他弹奏也就是这样的。对于有些人来说,能够弹奏旋律是件更美的事情,但在初学时它的技术难度更大些。

  我为学生安排的歌曲都是他们非常喜欢的歌曲,我不管是什么歌,只要他们喜欢,只要他们的能力能达到。比如对于学摇滚电吉他的学生,我会选择“"Born To Be Wild"这样的歌,它有着很基本的开放式重力和弦。对这类学生,我会让他们先掌握这种和弦,然后才是民谣和弦,因为重力和弦会让他们更早的能够学习弹奏他们心里所喜欢的歌曲。

  所以,前面这几个目标是:1. 能够正确地练习;2. 通过基础练习,建立正确的手部基础;3. 通过简单的和弦进行和歌曲来提高对音乐的感觉,直到掌握几首歌之后,且学生在弹奏中没有任何的手部紧张。

  学习弹吉他这样有复杂技巧的东西,它的过程不是完全直线性的。它并不象做某些事情那样"先做这个,完成后再做那个,完成后再开始做那个",学习吉他的过程是个多线程的集合,几项事情同时发生、成熟,产生一个结果,那就是你成为了一个优秀的吉他手。就象是在做饭,你要做几道不同的菜,又要煮饭,又要做汤,每件事情都几乎同时开始同时进行,但你会合理的分配你的时间和注意力,所以一切都在控制之中,最后是同时被端上了饭桌。

  我们安排各种不同的练习,目的就是要产生我们所希望的结果。不断的复习,不断的改进,在消耗我们的精力的同时,也要用头脑去思考。阅读所有有关学习吉他的素材,提出问题,用你所学到的东西和积累的经验为自己订制课程和练习计划。 在我们刚才说过的那几项之后,下来就是弹奏音阶,但要保证你的手指的每个细小的动作都已经做的正确了。

  许多演奏者感到苦恼的是他们练习弹奏新音阶时进展总是很慢,那是因为他们的手和手指由于不正确的方法而给肌肉带来紧张和酸痛,使他们的手型也变形了,似乎是在挣扎着弹奏。弹奏一个音阶是由一系列复杂的手部动作组成的,你必须先细微的体会按每一个音的动作,然后再把他们连接起来形成连贯的动作。吉他上的音阶从某种角度来讲,要比其它许多乐器的音阶难的多,因为每个音都需要两只手的精密配合,而不是象钢琴那样,一个手指就能弹出一个音符。 对于喜欢布鲁斯/摇滚的电吉他学生,五声音阶是最开始应掌握的。我们可能花好几个月的时间来熟悉音阶指型和提高速度,同时我们也会学习弹奏一些基本的摇滚licks,还有学习如何推弦。我会给学生一些我用他们所学会的licks写出的solo,这还是体现了那个教学的中心:学新内容,然后应用。对于新学的东西,在没有完全掌握时不要把它放下,至少要达到在一个很慢的速度下弹奏不出现错误。对于一个摇滚吉他手或其他类的即兴吉他手,不断的学习大师们的solo是很重要的。还要经常和其他人一起演奏,在练习时使用伴奏带,因为在这些时候,你所学的音阶和licks都能得到实际的应用。

  古典吉他自然扫弦法的音色练习

  A 关于音色:

  我们历来都有对不同音色的明显喜好。有人为大卫.罗素的音色而着迷,有人认为朱利安.布 里姆拥有吉他完美的音色,同时,几乎没有人会对佩佩.罗梅洛的音色表示出厌恶。大师们的音 色是否有着共同的特征在刺激着我们的耳朵呢?我想这就是我们所说的通透、穿透力。

  让我们大致对一个音的振动进行分析。每一个乐器发出同一音高的音时,我们能清楚地辨认 出它是什么(小提琴、钢琴或吉他等),这是因为因为它们各自具有自己的音色,而这正是由它 们的振动频谱所决定的。也就是说,一个音实际上包含了多种频率的振动的叠加。其中最低的频 率(基频)就是我们所听到的音高。在此基础上还有基频的2倍、3倍…….等频率的叠加构成了 每个乐器独特的音色,而我们把比基频高的其他频率称之为泛音(更确切地说应当是滤掉某个频 率以下的低频,剩下的频率的集合称为泛音)。假如我们把其中不同频率的振动一次定义为0 级、1级、2级……..等等,那么每种乐器的各级振动的强度(振幅----大于等于零)是不同的, 因此形成了他们独特的音色。

  对于拨弦乐器(包括钢琴),在其振动的各级频率大致固定(特有的、从而区别于其它乐 器)的情况下,我们仍然可以人为的控制其细微的变化这。首先,要知道琴弦上每一点的运动 (振动)速度是远大于手指的运动(拨弦)速度(对于钢琴来说则是琴槌击弦和离弦速度)的。 因此,不可避免地在手指(琴槌)离弦时,振动的琴弦中某些频率的泛音被手指(琴槌)不同程 度地阻尼掉了,就是个人的音色特点。当然,这还包括了拨弦前的手指动作(击弦前琴槌速度) 的影响。

  对于吉他,众所周知,拨弦前的动作(绷弦过程)会影响到个人的基础音色,这里不作讨 论。我仅就手指离弦的动作对音色的控制作一些肤浅的解释。当手指离弦速度越快,被消除的高 频振动越少,此时的音听起来越清澈、透亮;反之,则柔和、厚重。如此,在我们已有的基础音 色前提下,通过控制手指的离弦速度,就可以获得更丰富的声音色彩,从而使音乐更生动而富于 层次感。

  B 关于手指运动

  那么,如何才能有效地控制手指的运动呢?我这里目前能想到的答案只有‘放松’二字。

  首先,我想斗胆提出一个与大家所接受的拨弦方式完全不同的一个概念,即自然拨弦法。在 一段时间内我们总是习惯于用‘第三关节发力’和‘第二关节发力’来描述不同的拨弦方式。在 我的教学实践中,从来都是避免使用‘发力’这个词,而是尽量用‘运动’去解释,这样做的直 接好处是,我们很容易理解‘和钢琴的琴槌与琴弦一样,吉他的音色也直接取决于指甲/指尖与 琴弦之间的相对运动’(这里先不考虑拨弦位置和角度的问题)。

  现在回到自然拨弦法上来,手指运动的目的是直接获得音色而服务的。而根据前面的分析, 手指(指尖)越灵活越能获得丰富的音色,而这灵活可以用手指的相对放松程度加以描述。自然 拨弦法正基于此!它强调手指的每一个关节都参与拨弦运动(当然一般指自然运动,即正向弯 曲)。这时,我们不再把目光集中在‘哪个关节发力’这一表象,而是直指‘指尖运动的灵活 性’这一实质。

  自然拨弦法所强调的自然运动,当然是指生物意义上的自然运动。换句话说,它不表示长期 打篮球的手指的‘自然运动’或者长期握笔的手指的‘自然运动’这些个性,而是有利于吉他演 奏的生物意义上的‘自然运动’,因此它是具有严格规范的‘自然运动’。

  伸出一个手指,凭空做一个(无阻力的)拨弦动作,最自然而放松的动作是‘每个关节都正 向运动(弯向手内侧)’,这就是最符合生理特点的运动。无论你想仅用‘第三关节发力’或 ‘第二关节发力’都将导致僵化,更何况我们不必自欺欺人地掩饰真正的发力点都来自手腕以上 的前臂上的某些肌肉而不是关节!!!

  C 关于音色控制和演奏速度

  如果你认同自然拨弦法,那么下面的训练可以带来至少两个方面的明显提高(在正确的指导 下)。

  训练法粗探:1. 用极轻的音量和较夸张的单个手指的运动来巩固自然拨弦法的动作。目 的:手指极度放松,并适应生理弯曲;

  2. 分别控制第三关节和第二关节作为主要运动关节(第 一关节由于生理原因,其运动对音色的影响次于前二者)。目的:使手指的灵活性进一步提高, 并在运用中立刻获得有变化的音色;

  3. 其它要点,指甲宜稍短些,手腕放松(关键之一),从 前方看来,手腕手臂几近直线。其他有关右手的基本姿势在此描述难免带来误解,在此略。

  通过训练,采用自然的生理运动形式的拨弦,可以在音色变化和右手演奏速度上有明显提 高。先说音色,在自己已有的基础音色前提下,如果不拘泥于‘发力关节’的束缚,我们可以通 过自然拨弦法的练习使手指的灵活性显著提高,从而轻易地控制拨弦和离弦速度,得以在不改变 手型、位置、角度的前提下获得丰富的音色。其总体原则是:更多的第二关节运动使音色更清 澈、透亮;更多的第三关节运动使音色更柔和、厚重。再说速度,在合理运用自然拨弦法后,由 于手指的运动更符合生理弯曲,更有利于放松(灵活),正确的训练短期内就可以达到右手速度 的提升(我自己由于多年前右手严重的受伤而导致的拨弦紧张、手腕跳动等毛病也因此根除)。

  D 提示:

  1 琴弦振动得以在吉他上放大,其本质是作用于面板的张力(弯矩)的周期变化而非琴弦的 振动方向。结论:勿需妄想地控制振动方向,从而进一步解放右手,可以在必要时进一步缩短手 指在琴弦的滞留时间,一如钢琴琴槌与琴弦之关系。

  2. 从各位大师迥异的右手分析,显然得出‘第三关节发力’与‘第二关节发力’之争论的 徒劳。结论:自然运动的个性与普遍性使然,放松第一。

  3. 手指在琴键上的各种运动(尽管名目繁多)通过杠杆直达琴槌与琴弦的相对运动,说明 钢琴的‘一百种音色’完全取决于琴槌击弦和离弦的速度一如右手在吉他弦上的作用。

  

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2.吉他和弦转换技巧

3.和弦集合大全

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